Eine Frage mit offener Antwort. Zumindest machen viele Games genau das vor. Vorallem nach dem Videogamecrash.

Abstrakte Spiele sind in Digitalen Spielen prinzipiell immer möglich. Seien sie abstrakt in ihrer Visualität oder auch in der Spielmechanik. Konkret sind allerdings die wenigsten Spiele im konkreten Sinn „abstrakt“. Meist haben sie ein Setting, das den Spieler in die Spielmechanik „hilft“ als eine Art Brille, die schon sehr viele Regeln mitgibt. De facto sind dann aber Spielmechaniken/Spielschematas (Jürgen Fritz) dann meist weit weg von Analogen Settings (und deren Regeln) und es erstaunt manchmal, wie wir als Spieler* diese Ungereimtheiten einfach akzeptieren. Der Magic Circle und vorallem unsere Abstraktionsmöglichkeiten (Kultur) richten es. Die Regelmaschine Mensch in Betrieb.

Settings und Abstraktion

Im Bereich der visuellen Abstraktion dagegen wollten die meisten Games aber sehr oft ins ‚analoge‘ hinaus. Vielleicht auch um mehr akzeptiert zu werden, vielleicht um so die Welt (Wille zur Macht) die Welt besser überschreiben zu können. Nichts scheint mächtiger als die analoge Welt.

Viele visuelle Abstraktionsleistungen in Computerspielen waren dann im Homecomputerbereich meist eher „Übergänge“ als selbst gewählte Stile. Sei es in der Abstraktion von ASCII-Grafik, später Vektorgrafiken, dann Polygongrafiken etc. Oder anders gesagt: Es wurde selten ‚obsolete‘ Technologie genutzt. Dabei ist gerade die Kunst der 60,70er und 80er Jahre voll von abstrakter Darstellung – falls es um Darstellung ging und nicht wie im Bereich der Computergrafik um die Kreation neuer Welten.

Auflösung oder die Diagonale

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Letztlich verhinderte die fragmentierte Hardware und die vielen nötigen Tricks in Assembler, um Games zu machen etwa beim Amiga, dass diese Systeme eine längerfristige Chance hatten. Diese Spezialisierung wirkte sich vorallem auf Investionen/Aufwand in die Technik aus, statt in Spielmechanik. So sehen wir (noch genauer zu erforschen) fast keine Gameengines, die sich entwickelt haben.

Der getriebene und geleistete Aufwand lässt sich bis heute (noch genauer zu erforschen) nur damit erklären, dass da auch eine Generation am Werk war, die sich ihre Träume verwirklichte und dabei keine Grenzen kannte. Die das Ganze als Metaspiel verstand gegen jede Wahrscheinlichkeit. Sicher auch mit der Idee dahinter mal Geld zu verdienen, aber realistisch konnte das nicht funktionieren.

OneScreen-Games

Die ersten Spiele waren grossmehrheitlich One-Screen-Games. Das bedeutet aus Sicht des Gamedesigns und auch in der Spielmechanik, alle Dinge sind sichtbar auf einen Blick. Selbstverständlich gibt es Möglichkeiten auch hier die Sicht einzugrenzen, Techniken wären etwa Fog of War oder noch nicht geöffnete Zimmer (die erst beim Eintreten gezeigt werden).
Es bedeutet aber auch, das die Spiele oft die TopDown-Perspektive oder die Seitenperspektive verwenden. Die Objekte sind dabei relativ klein bzw. müssen klein sein, damit wenigstens etwas auf dem Screen passieren kann – auch wenn das Spiel auf verschiedene Screens verteilt ist. Die Spielmechanik des Suchens kommt in diesem Fall auch anders zum Einsatz, die Objekte müssen eher in Dingen versteckt sein wie Kisten als dann später in 3D Welten.

Scrolling-Games

Mit der Einführung des Scrolling ändert sich das. Der Spieler muss bei den einen Spielen im Bild der Kamera bleiben (etwa beim ersten Scrollenden Spiel) oder später in vielen ShootEmUps oder er steuert aktiv den Bildausschnitt oder moderner gesagt: Die Kamera ist über dem Spieler. Da erstaunt es dann auch nicht, dass Parallax-Scrolling genutzt wird, um die Welt auch ins 3D zu erweitern. Die Komplexität der Spielsituation rund um den Avatar bleibt meist die gleiche. Aber der Avatar rückt mehr ins Zentrum und wird nun oft grösser. Und das Suchen durch Scrolling von Gegenständen wird zu einer beliebten Spielmechanik.

// Einsatz von Flöte und Harfe und Funktion einmal untersuchen (vgl. 8Bit-Sound)

Es ist ein Moment, der eingepasst ist in den Iterationsprozess im Coding oder auch Gamedesign. Aus der These wie der Code funktionieren sollte wird ein Warten.

Beim Compillieren testet der Computer, ob alles zumindestesn formal korrekt ist. Der Entwickler* ist gespannt.

Einfach nicht das beim Compillieren:

Was ist falsch daran? Ein Hinweis vom Compiler. Aber gerade ist das nur die Idee, was sein könnte. Es geht weiter:

Ein erstes Entspannen folgt: „Ok es läuft“. Dann die zweite Anspannung: „Ok was läuft“. „Läuft das, was geplant war.“ Also die These von der Architektur, das was die Veränderung im Source-code nun im Resultat dem laufenden Programm, ist es das.

Dann das Warten beim Aufstarten und dann die Kontrolle, ist die These vom Konstrukt der Software korrekt, stimmt es mit dem laufenden Programm übereinander oder nicht?

Das ist ein Upchecken und ein oft sehr schnelles: „Ok, es läuft“ oder „Nein shit, es geht nicht. Warum nicht? Ist mein Gesamtkonzept falsch?“

Nächste Runde. Nächste Challenge. Nächstes Iteration: IDE. Changes > Kompillierung > Game.

Nachdem nur 6 Sprites kontrolliert werden konnten auf dem Amiga, konnte nun ein ‚weiteres‘ gerettet (kontrolliert) werden. Das eine aber hängt nach ausser ‚Order‘ oben am Rand. Keine Ahnung warum.

Oder anders gefragt: Wie sah die Crack- und Demoscene das Gamedev und ihre Komplexität. Und wie sahen/sehen die Gamedev-Scene die Crack und Demoscene. Dies ist gerade im Schweizerumfeld eine interessante Frage, da diese Scenen sich überschnitten haben.